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Ethan Greenbaum

Dossier de Presse

Press Kit

Ethan Greenbaum
Cold Frame
20 January – 1 December 2016

Architectural Digest 

itart 

Toute la Culture 

English Version

pact is proud to present Ethan Greenbaum’s first solo exhibition in Europe.
The exhibition will be on view October 20th to December 1st, with an opening reception on October 20th at 6pm (during FIAC Gallery night). Referring to the artist’s inspiration for photography, «Cold frame» will include a vintage piece by the American photographer Aaron Siskind.

A process of intrusion marks Ethan Greenbaum’s practice. On his walks through the city, he encounters the leftovers of construction sites, fragmented building materials, and peeling ephemera —surfaces that once masked or lay beneath edifices and scaffolding alike. In these walks, Greenbaum is no flâneur but rather a transgressor into these specialized spaces.

Taking photographs of these incursions, he then digitally manipulates them in the studio. He adjusts their contrast and saturation with an eye to preserving the readymade image. These photos are output via printing methodologies that confuse our presumptions about where they originate and where they could possibly reside now. This is visual language at street level—the horizontal city, which allows Greenbaum to accentuate the manner in which materials depict the tangibility of themselves. For instance, the image of a brick reprinted onto Plexiglass® still conveys the immanence of brick. We are clued into this from its pockmarked texture, the variations of the surface, and by the tactility of the mortar seeping out from between the seams.

He heightens this optical depth by digitally-carving surfaces based on the value range inherent in the images. Areas like shadows that 3D software reads as depth may in fact be topographically raised, creating a dissonance between machine based perception and our own. In addition, he prints the original image atop these carved substrates, creating a tension between the zenith of surface and more deeply carved areas. The seemingly illogical procedures of the digital router are superimposed with the voluptuous color of his prints. This process creates a haptic tension accentuated by his use of reflective materials, scalar shifts, and hyperbolized pixelation—assuring us this is not merely documentation, but an interrogation and reframing of his source.

In Greenbaum’s focus on the transitional, there is an entryway into the slippages of the contemporary city. The way in which we spend time with mutable structures or momentary. postings—all of which become ruins of a time past—is very much akin to Aaron Siskind’s close-up photographs of remnants. The decision to include Siskind’s Alcoman, 1950 in the exhibition allows the viewer a contemplation on what Siskind called a redemption of the ruin. In his photography, Siskind is calling attention to the residual, but it begs the question: how do elements of the past construct our experiences of the now?

Hovering over the desk in Greenbaum’s exhibition, Siskind’s black and white photograph elicits congruencies between his modern photography and Greenbaum’s contemporary practice.

Alcoman proposes a point of contrast to much of the material changes in photography of the last 9 years. During this period, artists such as Greenbaum have taken the photographic image as a starting point to explore facets of painting, sculpture and installation. Siskind’s work, though radical in its time for featuring close-ups of unidentifiable subject-matter, remains traditional in its retention of an image pictured below the pictorial plane, reproduced on photo paper. Greenbaum jettisons the traditional bifurcation between what is beneath or above the pictorial plane. Whether on Plexiglass®, wood, or Corian©, he often prints his photographs on both sides of his substrate and utilizes misalignment as a means to intensify sculptural depth. 

In other moments, Greenbaum seems unconcerned with physical depth and makes his intrusion into the image via illusion. At one end of the gallery, a large-scale photo installation occupies two walls. Greenbaum casually refers to these large vinyl wall wraps as a kind of wallpaper. However, he is not so much interested in the decorative qualities of traditional wallpaper. Instead he wants to bring our attention to the unstable qualities of images within the fabric of the city.

We are accustomed to how building materials wrap and enclose urban space while remaining largely invisible. Greenbaum’s wallpaper features an image of a house in construction. It is a sly and absurdist play on our understanding of illusionism in all of its two-dimensional limitations. When he photographs blue and yellow foam insulation, we know it is a finished artwork of an unfinished structure. The photograph of a window, a completed segment in the construction, juxtaposed with the incomplete feel of the foam defies our desire to look within the artwork. In this installation, we are forced to reconcile the porosity of the image as it is—divorced from the mandates of either the immersive picture or inconsequential background.

Greenbaum likes to gesture to how the image is almost an illusion of its source; is also itself; and is the obscuring material of the moment. These sort of elastic maneuvers are what allow these works to interact with the visual landscape of our present time rather than to depict it. It is what makes this less a process of redemption of the ruin and more a play with discomfort—whereby the weirdness of translation catches us unaware.

Andrianna Campbell,
About Ethan Greenbaum
for Galerie pact, 2016

Version Française

pact est heureux de présenter la première exposition personnelle d’Ethan Greenbaum en Europe. L’exposition se déroulera du 20 octobre au 1er décembre, avec un vernissage le 20 octobre à 18h (pendant la nuit des galeries de la FIAC). En référence à l’inspiration de l’artiste pour la photographie, «Cold Frame» inclura une pièce historique du photographe américain Aaron Siskind.

Au centre de la pratique d’Ethan Greenbaum se trouve un processus d’intrusion. Lors de ses promenades dans la ville, l’artiste croise les vestiges de chantiers de construction, des fragments de matériaux provenant d’immeubles, des couches éphémères écaillées – des surfaces qui autrefois masquaient ou se trouvaient sous les édifices, ou bien derrière les échafaudages. Lors de ces promenades, Greenbaum ne joue pas le rôle du flâneur, mais au contraire celui d’un transgresseur à l’intérieur même de ces espaces spécialisés. Il prend d’abord des clichés de ces incursions qu’il manipule ensuite numériquement dans son atelier. Il ajuste leur contraste et leur saturation avec toujours dans l’idée de préserver leur côté ready-made. Ces photos sont le résultat de méthodologies d’impression qui brouillent nos idées préconçues quant à leur origine et leur présente localisationC’est un langage visuel à l’échelle de la rue, de la ville horizontale, qui permet à Greenbaum d’accentuer la manière dont les matériaux dépeignent leur propre tangibilité. L’image d’une brique imprimée sur du Plexiglas®, par exemple, est tout à fait à même de transmettre l’immanence de la brique. Cette transmission passe par la texture grêlée, les variations de surface, et par le côté tactile du mortier qui suinte entre les veines.

L’artiste augmente cette profondeur optique en sculptant numériquement les surfaces selon la plage de valeurs inhérente à chaque image. Des zones d’ombre qui peuvent être lues (par des logiciels 3D) comme de la profondeur peuvent être en réalité surélevées topographiquement, créant ainsi une dissonance entre la perception de la machine et la nôtre.Greenbaum ne s’arrête pas là. Il imprime ensuite l’image source par-dessus ces découpes de substrats, créant à présent une tension entre le zénith de la surface et les zones qui ont été découpées en profondeur. Les procédures a priori sans logique de cette détoureuse numérique se superposent avec les couleurs voluptueuses des impressions. Ce procédé crée une tension tactile accentuée par l’utilisation de matériaux réfléchissant, de déplacements scalaires, et d’une pixellisation exagérée, qui ensemble nous confortent dans le fait que ce n’est pas une simple documentation, mais bien un questionnement et une reformulation du sujet originel.

On trouve, dans l’intérêt de Greenbaum pour tout ce qui est en transition, un passage vers les glissements de la ville contemporaine. La façon dont nous passons du temps dans des structures altérables et des positionnements temporaires – qui deviennent rapidement les ruines d’une époque révolue – est analogue à la démarche d’Aaron Siskind dans ses photographies en gros plans de vestiges. La décision d’inclure l’Alcoman (1950) de Siskind dans l’exposition permet au visiteur de  contempler ce que Siskind appelait la rédemption de la ruine. Dans cette photographie, Siskind met en avant le résiduel, mais une question plus fondamentale se pose : comment les éléments du passé participent à la construction de nos expériences présentes ?

Planant au-dessus du bureau dans l’exposition de Greenbaum, la photographie en noir et blanc de Siskind suscite des congruences entre la photographie moderne et la pratique contemporaine de Greenbaum. Alcoman offre un véritable point de contraste pour la plupart des transformations matérielles de la photographie de ces neuf dernières années. Pendant cette période, des artistes comme Greenbaum ont pris l’image photographique comme point de départ pour explorer les différentes facettes de la peinture, de la sculpture et de l’installation. Bien que ses plans rapprochés aient été considérés comme une posture radicale à son époque, le travail de Siskind reste traditionnel par sa rétention de l’image sous la surface purement picturale, et sa reproduction sur le papier photo.

Greenbaum se débarrasse de la séparation traditionnelle entre ce qui se trouve au-dessus et en-dessous de la surface picturale. Que ce soit sur Plexiglas®, bois, ou sur Corian®, il imprime fréquemment ses photographies sur les deux faces de son support et utilise leur non-alignement pour amplifier la profondeur sculpturale. 

Greenbaum, en d’autres endroits, ne semble pas se préoccuper de la profondeur physique et procède à ces intrusions dans l’image à travers l’illusion. Une grande installation photo occupe deux murs entiers à l’une des extrémités de la galerie. Greenbaum qualifie ces grands rouleaux de vinyle tendus sur les murs, de papier peint. Ce ne sont pas les qualités décoratives du papier peint qui l’intéressent. C’est davantage le fait de mettre en avant les qualités instables de l’image au sein même du tissu urbain. Nous sommes habitués à la manière dont la matérialité des bâtiments enveloppe et renferme l’espace urbain tout en restant largement invisible. Le papier peint de Greenbaum présente l’image d’une maison en construction.

C’est un jeu sournois et absurde autour de notre compréhension de l’illusionnisme dans toute sa limitation bidimensionnelle. Lorsqu’il photographie de la mousse isolante bleue et jaune, nous sommes conscients qu’il s’agit ici d’une œuvre d’art aboutie dont le sujet est une structure non aboutie. La photo d’une fenêtre, un des éléments aboutis de la construction, juxtaposée au sentiment d’incomplétude de la mousse, met au défi notre désir de regarder à l’intérieur de l’œuvre d’art. Dans cette installation, nous sommes forcés d’accepter la porosité de l’image en tant que telle, c’est-à-dire séparée de la sujétion à une image immersive ou à un arrière-plan sans conséquence.

Greenbaum se plait à montrer comment l’image est à la fois presque une illusion de sa source ; comment elle est elle-même ; et aussi un matériau qui peut servir à dissimuler par moment. Ces formes de manœuvres élastiques sont ce qui permet à ces œuvres d’interagir avec le paysage visuel de notre temps présent, au lieu de simplement le dépeindre. Ce n’est non pas ce qui fait de ces travaux un processus de rédemption de la ruine, mais plutôt un jeu autour du malaise, dans lequel l’étrangeté du transfert nous prend par surprise.

Andrianna Campbell,
A propos d’Ethan Greenbaum
pour Galerie pact, 2016